Bryan Ferry • Avonmore

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
On the album art of Avonmore, the record he released when he was a year shy of 70, Bryan Ferry showcases himself as a dashing young man -- a portrait of an artist not as a glam trailblazer or distinguished elder statesman, but rather caught in an indeterminate time between the gorgeous heartbreak of Roxy Music's Avalon and the meticulous solo work that came immediately in its wake. This is Ferry's prime, a moment when his legacy was intact but yet to be preserved in amber. Avonmore consciously evokes this distinct period, sometimes sighing into the exquisite ennui of Avalon but usually favoring the fine tailoring of Boys & Girls, a record where every sequenced rhythm, keyboard, and guitar line blended into an alluring urbane pulse. Ferry isn't so much racing to revive a younger edition of himself as much as laying claim to this particular strand of sophisticated pop, one that happens to feel a shade richer now when it's delivered by an artist whose world-weariness has settled into his marrow but is yet to sadden him. This much is apparent on Avonmore's closing covers, an oddly appropriate pairing of Stephen Sondheim's "Send in the Clowns" and Robert Palmer's "Johnny & Mary" that are both given gently meditative electronic makeovers, but much of the record explores the other end of the Ferry spectrum, where he's making music to dance away the heartache. He's no longer on the floor himself, preferring to watch with a bit of a bemusement, but this reserved romanticism suits him perfectly, particularly because Ferry and his co-producer Rhett Davies -- a steady collaborator since 1999's standards record As Time Goes By -- place an emphasis on mood but not at the expense of the songs. Naturally, what is first alluring about Avonmore is its feel -- it's meant to be seductive -- but the songs are what makes this record something more than a fling.
https://www.allmusic.com/album/avonmore-mw0002757654

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
En la carátula del álbum de Avonmore, el disco que lanzó cuando le faltaba un año para cumplir 70 años, Bryan Ferry se muestra como un joven apuesto - un retrato de un artista no como un pionero del glamour o un distinguido estadista mayor, sino más bien atrapado en un tiempo indeterminado entre el hermoso desengaño de Avalon de Roxy Music y el meticuloso trabajo en solitario que vino inmediatamente después. Este es el momento cumbre de Ferry, un momento en el que su legado estaba intacto pero aún no se ha conservado en el ámbar. Avonmore evoca conscientemente este período, a veces suspirando por el exquisito enojo de Avalon, pero generalmente favoreciendo la fina confección de Boys & Girls, un disco donde cada ritmo secuenciado, teclado y línea de guitarra se mezclan en un atractivo pulso urbano. Ferry no está corriendo tanto para revivir una edición más joven de sí mismo como para reclamar esta particular línea de pop sofisticado, que resulta ser más rico ahora cuando lo hace un artista cuyo cansancio del mundo se ha asentado en su médula pero que aún no lo entristece. Esto es evidente en las últimas portadas de Avonmore, una extraña pareja de "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim y "Johnny & Mary" de Robert Palmer, que son maquilladas electrónicamente con suavidad, pero gran parte del disco explora el otro extremo del espectro de Ferry, donde está haciendo música para bailar y aliviar el dolor. Ya no está en el suelo, prefiriendo mirar con un poco de desconcierto, pero este romanticismo reservado le sienta perfectamente, sobre todo porque Ferry y su coproductor Rhett Davies -- un colaborador constante desde el disco estándar de 1999 "As Time Goes By" -- ponen énfasis en el estado de ánimo pero no a expensas de las canciones. Naturalmente, lo primero que atrae de Avonmore es su sentimiento, que está pensado para ser seductor, pero las canciones son lo que hace que este disco sea algo más que una aventura.

https://www.allmusic.com/album/avonmore-mw0002757654

 

 

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Bryan Ferry • Bĕte Noire

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The Bryan Ferry Orchestra • The Jazz Age

Review

Over the last 40 years, singer Bryan Ferry has established himself not only as the frontman of one of rock's most iconic bands, but also as a unique interpreter covering the songs of others. The songwriters he's covered have been transformed into something wholly other by him. Ferry's ability to find and reveal what is hidden in a lyric, a musical phrase, or even a key signature is uncanny. The Jazz Age finds Ferry covering himself in radical fashion: he doesn't sing. He is credited as co-producer (with Rhett Davies) and "director." The Jazz Age celebrates Ferry's 40th anniversary in music by re-recording some of his classic tunes -- from the 1972 Roxy Music album to 2010's Olympia -- inspired by the sounds of '20s jazz. Ferry's looked deeply into the past before -- 1999's As Time Goes By paid tribute to the music of the '30s, an album of sung standards from the era -- but not his own. This set was performed by many of the same British jazz musicians who performed on that record under the musical direction of Colin Good. Musically, Ferry and these musicians drew on the influences of Louis Armstrong's Hot Sevens, Duke Ellington's Orchestra, Bix Beiderbecke's Wolverines, and the Original Dixieland Jazz Band. But they also found inspiration in the heady historical era before 1929 detailed so intensely in the novels of F. Scott Fitzgerald, Michael Arlen, and Ernest Hemingway. All 13 of these tunes have been wildly revamped and offer interesting textures: a bass clarinet and baritone saxophone are used instead of a double bass to carry the bottom end, but the music here is played so well, it doesn't feel gimmicky. All of the original melodies have been left intact, though tempos are often completely reset. The sprightly "Do the Strand" features piano, brass, reeds, banjo, and drums all competing for dominance (they were recorded live in the studio), and swings hard. "Love Is the Drug" is played as a moaning, bluesy dirge, while "Avalon" retains its sense of melancholy even as clarinets, trumpets, and piano commingle in a midtempo dialogue on different aspects of the melody. "Virginia Plain" is a fingerpopping dancefloor jaunt that recalls flappers doing the Lindy Hop. Given that Ferry doesn't sing on The Jazz Age, the appeal for casual fans is debatable. But for the faithful, trad-jazz heads, and open-minded listeners, the musical quality -- from expert arrangements, virtuosic playing, and the brilliant concept -- offer something wholly different and rewarding.

by Thom Jurek

https://www.allmusic.com/album/the-jazz-age-mw0002441951

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Reseña

En los últimos 40 años, el cantante Bryan Ferry se ha establecido no sólo como el líder de una de las bandas más icónicas del rock, sino también como un intérprete único que cubre las canciones de otros. Los compositores que ha cubierto se han transformado en algo totalmente diferente por él. La capacidad de Ferry para encontrar y revelar lo que se esconde en una letra, una frase musical, o incluso una firma clave es asombrosa. La Edad del Jazz encuentra a Ferry cubriéndose de forma radical: no canta. Se le acredita como coproductor (con Rhett Davies) y "director". The Jazz Age celebra el 40 aniversario de Ferry en la música regrabando algunas de sus canciones clásicas, desde el álbum Roxy Music de 1972 hasta el Olympia de 2010, inspiradas en los sonidos del jazz de los años 20. Ferry ha mirado profundamente al pasado antes -- el álbum As Time Goes By de 1999 rindió homenaje a la música de los años 30, un álbum de estándares cantados de la época -- pero no el suyo propio. Este conjunto fue interpretado por muchos de los mismos músicos de jazz británicos que actuaron en ese disco bajo la dirección musical de Colin Good. Musicalmente, Ferry y estos músicos se inspiraron en las influencias de los Hot Sevens de Louis Armstrong, la Orquesta de Duke Ellington, los Wolverines de Bix Beiderbecke y la Original Dixieland Jazz Band. Pero también encontraron inspiración en la embriagadora era histórica anterior a 1929 que se detalla tan intensamente en las novelas de F. Scott Fitzgerald, Michael Arlen y Ernest Hemingway. Los 13 temas han sido salvajemente renovados y ofrecen texturas interesantes: un clarinete bajo y un saxofón barítono se utilizan en lugar de un contrabajo para llevar el extremo inferior, pero la música aquí se toca tan bien, que no parece un truco. Todas las melodías originales han sido dejadas intactas, aunque los tempos son a menudo completamente reseteados. El ágil "Do the Strand" cuenta con piano, metales, lengüetas, banjo y batería, todos compitiendo por el dominio (fueron grabados en vivo en el estudio), y se balancea con fuerza. "Love Is the Drug" se toca como un lamento, como un canto a la tristeza, mientras que "Avalon" mantiene su sentido de la melancolía incluso cuando los clarinetes, las trompetas y el piano se mezclan en un diálogo a medio tiempo sobre diferentes aspectos de la melodía. "Virginia Plain" es una pista de baile que recuerda a los flappers haciendo el Lindy Hop. Dado que Ferry no canta en The Jazz Age, el atractivo para los fans ocasionales es discutible. Pero para los fieles, cabezas de trad-jazz, y oyentes de mente abierta, la calidad musical - desde los arreglos expertos, la interpretación virtuosa, y el concepto brillante - ofrecen algo totalmente diferente y gratificante.

por Thom Jurek
https://www.allmusic.com/album/the-jazz-age-mw0002441951
 

 

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Bryan Ferry • As Time Goes By

Review by Stephen Thomas Erlewine
Bryan Ferry invests considerable time and energy in cover albums (he should, considering that they compose a good portion of his solo catalog), treating them with as much care as a record of original material. He's always found ways to radically reinvent the songs he sings, so it's easy to expect that his collection of pop standards, As Time Goes By, would re-imagine the familiar. Instead, As Time Goes By is his first classicist album, containing non-ironic, neo-traditionalist arrangements of songs associated with the '30s. That doesn't mean it's a lavish affair, dripping with lush orchestras -- it's considerably more intimate than that. Even when strings surface, they're understated, part of a small live combo that supports Ferry throughout the record. He's made the music as faithful to its era as possible, yet instead of rigidly replicating the sounds of the '30s, he's blended Billie Holiday, cabaret pop, and movie musicals into an evocative pastiche. Ferry is at his best when he's exploring the possibilities within a specific theory or concept; with As Time Goes By, he eases into these standards and old-fashioned settings like an actor adopting a new persona. Since Ferry has always been a crooner, the transition is smooth and suave. He makes no attempt to alter his tremulous style, yet it rarely sounds incongruous -- he may sound a little vampirish on "You Do Something to Me," but that's the rare case where he doesn't seamlessly mesh with his romantic, sepia-toned surroundings. On the surface, it may seem like a departure for Ferry, but in the end, it's entirely of a piece with his body of work. True, it may not be a major album in the scheme of things, but it's easy to be seduced by its casual elegance.
https://www.allmusic.com/album/as-time-goes-by-mw0000669411

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Bryan Ferry invierte mucho tiempo y energía en los álbumes de versiones (debería, teniendo en cuenta que componen una buena parte de su catálogo en solitario), tratándolos con tanto cuidado como un disco de material original. Siempre ha encontrado formas de reinventar radicalmente las canciones que canta, así que es fácil esperar que su colección de estándares pop, As Time Goes By, reimagine lo conocido. En cambio, As Time Goes By es su primer álbum clasicista, que contiene arreglos no irónicos y neotradicionalistas de canciones asociadas a los años 30. Eso no significa que sea un asunto fastuoso, repleto de exuberantes orquestas: es bastante más íntimo que eso. Incluso cuando las cuerdas aparecen, son discretas, parte de un pequeño combo en vivo que apoya a Ferry en todo el disco. Ha hecho que la música sea lo más fiel posible a su época, pero en lugar de replicar rígidamente los sonidos de los años 30, ha mezclado a Billie Holiday, el pop de cabaret y los musicales de cine en un pastiche evocador. Ferry está en su mejor momento cuando explora las posibilidades dentro de una teoría o concepto específico; con As Time Goes By, se introduce en estos estándares y escenarios anticuados como un actor que adopta un nuevo personaje. Dado que Ferry siempre ha sido un crooner, la transición es suave y sencilla. No intenta alterar su estilo trémulo, pero rara vez suena incongruente: puede sonar un poco vampírico en "You Do Something to Me", pero es el único caso en el que no encaja a la perfección con su entorno romántico de tonos sepia. A primera vista, puede parecer una desviación de Ferry, pero al final, es totalmente coherente con su obra. Es cierto que no se trata de un álbum importante, pero es fácil dejarse seducir por su elegancia casual.
https://www.allmusic.com/album/as-time-goes-by-mw0000669411

 

Roxy Music • The Best Of Roxy Music

 

Review
by William Ruhlmann  
Released to herald a reunion of the band and superseding several out-of-print predecessors, The Best of Roxy Music is an excellent summary of the group's hits and album highlights between 1972 and 1982. There are really two editions of Roxy Music, the glam rock unit that achieved widespread U.K. success from 1972 to 1975, and the more polished one that was a broader international success from 1979 to 1982. The compilers have dealt with the dichotomy and the more lasting popularity of the later recordings by presenting the compilation in reverse chronological order, so that soft rock hits like "Over You" and "Dance Away," which scored in America, come before U.K.-only hits like "Street Life" and "Virginia Plain," which rock much harder. But all the major hits are here (only a couple of less-successful British singles chart entries are missing), augmented by memorable album tracks like "Do the Strand" and "Mother of Pearl." In print or not, this is the best single-disc collection of Roxy Music, since it is more complete than earlier compilations like the 1977 Greatest Hits and 1983 The Atlantic Years (1973-1980) LPs, and, unlike later best-ofs such as Street Life: 20 Great Hits (1986), The Ultimate Collection (1988), and More Than This: The Best of Bryan Ferry and Roxy Music (1995) (the latter two U.K. releases), it is not divided between Bryan Ferry solo tracks and Roxy Music ones.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-roxy-music-mw0000740215


Biography
by Stephen Thomas Erlewine
England's Roxy Music emerged in the 1970s, blending experimental rock with sleek, glittery pop to become one of the most quintessential and defiantly theatrical art-rock bands of their era. They had a fascination with fashion, glamor, cinema, pop art, and the avant-garde, which separated the band from their contemporaries. During the early '70s, the group was driven by the creative tension between Bryan Ferry and Brian Eno, who each pulled the band in separate directions: singer Ferry had a fondness for American soul and Beatlesque art-pop, while instrumentalist Eno was intrigued by deconstructing rock with amateurish experimentalism inspired by the Velvet Underground. This incarnation of Roxy Music may have only recorded two albums, 1972's Roxy Music and 1973's For Your Pleasure, but it inspired a legion of imitators -- not only the glam rockers of the early '70s, but art-rockers and new wave pop groups of the late '70s. Following Eno's departure, Roxy Music continued with its arty inclinations, releasing equally classic albums like 1974's Country Life and 1979's Siren, before gradually working in elements of disco and soul as on 1979's Manifesto. By the early '80s, the group had developed a sophisticated, seductive soul-pop that relied on Ferry's stylish crooning, so it was no surprise that he disbanded Roxy Music at the height of its commercial success to pursue a solo career. While Eno has remained largely absent, Ferry and Roxy Music have reunited for live performances, including for their 2019 induction into the Rock and Roll Hall of Fame and a 2022 tour marking their 50th Anniversary.

The son of a coal miner, Bryan Ferry (vocals, keyboards) had studied art with Richard Hamilton at the University of Newcastle before forming Roxy Music in 1970. While at university, he sang in rock bands, joining the R&B group the Gas Board, which also featured bassist Graham Simpson. Ferry and Simpson decided to form their own band toward the end of 1970, eventually recruiting Andy Mackay (saxophone), who had previously played oboe with the London Symphony Orchestra. Through Mackay, Brian Eno joined the band. By the summer of 1971, the group -- had originally been called "Roxy" but a name change was necessary after the discovery of an American band called Roxy -- had recruited classical percussionist Dexter Lloyd and guitarist Roger Bunn through an ad in Melody Maker; both musicians left within a month, but they did record the group's initial demos. Another ad was placed in Melody Maker, and this time the group landed drummer Paul Thompson and guitarist Davy O'List, who had previously played with the Nice. O'List had left by the beginning of 1972 and was replaced by Phil Manzanera, a former member of Quiet Sun. Prior to recording their first album, Simpson left the band. Roxy Music never replaced him permanently; instead, they hired new bassists for each record and tour, beginning with Rik Kenton, who appeared on their eponymous debut for Island Records.

Produced by Peter Sinfield of King Crimson, Roxy's self-titled debut climbed into the British Top Ten in the summer of 1972; shortly afterward, the non-LP single "Virginia Plain" rocketed into the British Top Ten, followed by the non-LP "Pyjamarama" in early 1973. While Roxy Music had become a sensation in England and Europe due to their clever amalgamation of high and kitsch culture, they had trouble getting a foothold in the United States. Both the first album and the follow-up, 1973's For Your Pleasure (recorded with bassist John Porter), were greeted with enthusiasm in the U.K., but were virtually ignored in the U.S. Frustrated with Ferry's refusal to record his compositions, Eno left the band after the completion of For Your Pleasure. Before recording the third Roxy Music album, Ferry released a solo album, These Foolish Things, which comprised pop/rock covers.

Released in December of 1973, Stranded became the band's first number one album in the U.K. Stranded was recorded with new Roxy member Eddie Jobson, a multi-instrumentalist who previously played with Curved Air; it was also the first record to feature writing credits for Manzanera and Mackay. The album received a warmer reception in the U.S. than its two predecessors, setting the stage for the breakthrough of Country Life in late 1974. Sporting a controversial cover of two models dressed in see-through lingerie -- the cover was banned in several stores, and it was eventually replaced with a photo of a forest in the U.S. -- Country Life was the first Roxy album to break the U.S. Top 40 and became their fourth British Top Ten album. Following a tour with bassist John Wetton, the group recorded Siren. Featuring their first American Top 40 hit, the disco-flavored "Love Is the Drug," Siren was another British Top Ten hit; in the U.S., it was moderate hit, peaking at number 50. Following the tour for Siren, the bandmembers began working on solo projects -- Manzanera formed the prog rock group 801, and Mackay and Ferry both began recording solo albums -- and announced in the summer of 1976 that they were temporarily breaking up. The live album Viva Roxy Music! was released shortly after the announcement of the group's hiatus.

Roxy Music regrouped in the fall of 1978 after spending 18 months on solo projects. Ferry, Manzanera, Mackay, and Thompson added former Ace keyboardist Paul Carrack to the band's lineup and hired Gary Tibbs, formerly of the Vibrators, and ex-Kokomo Alan Spenner as studio bassists; Jobson and Wetton, who were not asked to rejoin the band, formed UK. Roxy Music's comeback effort, Manifesto, was released in the spring of 1979, and it boasted a sleek, disco-influenced soul-pop sound that was markedly different from and more accessible than their earlier records. Manifesto confirmed their British popularity, reaching the Top Ten, and became their highest-charting U.S. record, peaking at number 23 on the strength of the single "Dance Away." Roxy Music supported the album with an international tour that featured Carrack and Tibbs; prior to the tour's start, Thompson left the band after breaking his thumb in a motorcycle accident. Flesh + Blood, the follow-up to Manifesto, was recorded by just Ferry, Manzanera, Mackay, and a host of studio musicians. Released in the summer of 1980, Flesh + Blood became Roxy's second British number one album on the strength of the Top Ten single "Over You"; in America, the album reached the American Top 40. In the spring of 1981, the band's non-LP cover of John Lennon's "Jealous Guy," recorded as a tribute to the slain singer, became the group's only British number one single.

Nearly two years later, Roxy Music returned in the summer of 1982 with Avalon. Marking a new level in the group's production and musical sophistication, Avalon became their biggest album, spending three weeks at the top of the British charts and 27 on the U.S. charts, generating the British hits "More Than This" and "Take a Chance with Me." It became the group's only American gold album, and over the years, it worked its way to platinum status. Following a successful supporting tour for Avalon, the group released the live EP Musique/The High Road in the spring of 1983. The Avalon tour turned out to be Roxy Music's final activity as a group. Ferry began to concentrate on his solo career, beginning with 1985's Boys and Girls. Manzanera and Mackay formed a band called the Explorers in 1985; the pair would record under a variety of guises, as well as pursue solo careers, over the next 15 years. The compilation Street Life: 20 Great Hits, which also featured Ferry's solo hits, was released in 1989. A year later, Heart Still Beating, a live album documenting a 1982 concert, was released. More archival releases helped keep the glitter flame alive, including 1995's The Thrill of It All and 2006's Thrill of It All: A Visual History 1972-1982; both of which featured key tracks and singles, as well as B-sides, promos, and television performances.


In 2001, Ferry, Manzanera, Mackay, and Thompson reunited for a series of live shows to mark the band's 30th anniversary. Manzanera and Thompson also contributed to Ferry's 2002 solo album Frantic, as did Eno, who played on the track "I Thought." The group again reunited (minus Eno) for the 2005 Isle of Wight Festival. However, that same year, the band entered the studio with Eno and began working on songs. While it would be their first time recording together since 1973, the tracks would ultimately end up as part of Ferry's 2010 solo album, Olympia.

In the meantime, Ferry and the non-Eno version of Roxy Music continued appearing live, headlining various festivals around the globe. A career-spanning box set, Roxy Music: The Complete Studio Recordings 1972–1982, arrived in 2012. In March 2019, Roxy Music were inducted to the Rock and Roll Hall of Fame with Ferry, Manzanera, Mackay, and Jobson performing a six-song set at the induction ceremony. In 2022, Roxy Music again re-formed (without Eno) for a tour marking the 50th anniversary of their debut album.
https://www.allmusic.com/artist/roxy-music-mn0000852855/biography

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Reseña
por William Ruhlmann  
Publicado para anunciar la reunión de la banda y sustituir a varios predecesores agotados, The Best of Roxy Music es un excelente resumen de los éxitos y álbumes más destacados del grupo entre 1972 y 1982. En realidad hay dos ediciones de Roxy Music, la unidad de glam rock que alcanzó un amplio éxito en el Reino Unido de 1972 a 1975, y la más pulida que tuvo un éxito internacional más amplio de 1979 a 1982. Los compiladores han abordado la dicotomía y la popularidad más duradera de las últimas grabaciones presentando la recopilación en orden cronológico inverso, de modo que los éxitos de rock suave como "Over You" y "Dance Away", que triunfaron en América, van antes que los éxitos exclusivos del Reino Unido como "Street Life" y "Virginia Plain", que rockean mucho más fuerte. Pero todos los grandes éxitos están aquí (sólo faltan un par de entradas menos exitosas en las listas de singles británicas), aumentados por temas memorables del álbum como "Do the Strand" y "Mother of Pearl". Impresa o no, ésta es la mejor colección en un solo disco de Roxy Music, ya que es más completa que recopilaciones anteriores como los LPs Greatest Hits de 1977 y The Atlantic Years (1973-1980) de 1983, y, a diferencia de posteriores best-ofs como Street Life: 20 Great Hits (1986), The Ultimate Collection (1988) y More Than This: The Best of Bryan Ferry and Roxy Music (1995) (estos dos últimos publicados en el Reino Unido), no está dividido entre los temas en solitario de Bryan Ferry y los de Roxy Music.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-roxy-music-mw0000740215


Biografía
por Stephen Thomas Erlewine
Los ingleses Roxy Music surgieron en la década de 1970, mezclando rock experimental con pop elegante y brillante para convertirse en una de las bandas de art-rock más teatrales y desafiantes de su época. Sentían fascinación por la moda, el glamour, el cine, el arte pop y la vanguardia, lo que diferenciaba a la banda de sus contemporáneos. A principios de los 70, el grupo se vio impulsado por la tensión creativa entre Bryan Ferry y Brian Eno, que tiraban cada uno por su lado: el cantante Ferry sentía predilección por el soul americano y el art-pop Beatlesco, mientras que al instrumentista Eno le intrigaba deconstruir el rock con un experimentalismo amateur inspirado en la Velvet Underground. Puede que esta encarnación de Roxy Music sólo grabara dos álbumes, Roxy Music (1972) y For Your Pleasure (1973), pero inspiró a una legión de imitadores, no sólo a los glam rockers de principios de los 70, sino también a los art-rockers y a los grupos de pop new wave de finales de la década. Tras la marcha de Eno, Roxy Music continuó con sus inclinaciones artísticas, publicando álbumes igualmente clásicos como Country Life, de 1974, y Siren, de 1979, antes de incorporar gradualmente elementos de música disco y soul, como en Manifesto, de 1979. A principios de los 80, el grupo había desarrollado un soul-pop sofisticado y seductor que se apoyaba en la elegante forma de cantar de Ferry, por lo que no fue ninguna sorpresa que éste disolviera Roxy Music en la cima de su éxito comercial para emprender una carrera en solitario. Aunque Eno ha permanecido ausente en gran medida, Ferry y Roxy Music se han reunido para actuaciones en directo, incluida su entrada en 2019 en el Salón de la Fama del Rock and Roll y una gira en 2022 con motivo de su 50 aniversario.

Hijo de un minero del carbón, Bryan Ferry (voz, teclados) había estudiado arte con Richard Hamilton en la Universidad de Newcastle antes de formar Roxy Music en 1970. Mientras estaba en la universidad, cantó en bandas de rock, uniéndose al grupo de R&B The Gas Board, en el que también estaba el bajista Graham Simpson. Ferry y Simpson decidieron formar su propia banda a finales de 1970, y finalmente contrataron a Andy Mackay (saxofón), que anteriormente había tocado el oboe con la Orquesta Sinfónica de Londres. A través de Mackay, Brian Eno se unió a la banda. Para el verano de 1971, el grupo -que originalmente se había llamado "Roxy", pero fue necesario cambiarle el nombre tras el descubrimiento de una banda estadounidense llamada Roxy- había reclutado al percusionista clásico Dexter Lloyd y al guitarrista Roger Bunn a través de un anuncio en Melody Maker; ambos músicos se marcharon al cabo de un mes, pero grabaron las maquetas iniciales del grupo. Se publicó otro anuncio en Melody Maker, y esta vez el grupo consiguió al batería Paul Thompson y al guitarrista Davy O'List, que habían tocado anteriormente con los Nice. O'List abandonó el grupo a principios de 1972 y fue sustituido por Phil Manzanera, antiguo miembro de Quiet Sun. Antes de grabar su primer álbum, Simpson abandonó la banda. Roxy Music nunca le sustituyó de forma permanente; en su lugar, contrataron a nuevos bajistas para cada disco y gira, empezando por Rik Kenton, que apareció en su debut homónimo para Island Records.

Producido por Peter Sinfield de King Crimson, el debut homónimo de Roxy entró en el Top Ten británico en el verano de 1972; poco después, el single sin LP "Virginia Plain" se disparó al Top Ten británico, seguido por el single sin LP "Pyjamarama" a principios de 1973. Aunque Roxy Music se había convertido en una sensación en Inglaterra y Europa debido a su inteligente amalgama de alta cultura y cultura kitsch, tuvieron problemas para afianzarse en Estados Unidos. Tanto el primer álbum como el siguiente, For Your Pleasure, de 1973 (grabado con el bajista John Porter), fueron recibidos con entusiasmo en el Reino Unido, pero prácticamente ignorados en EE.UU. Frustrado por la negativa de Ferry a grabar sus composiciones, Eno abandonó el grupo tras la finalización de For Your Pleasure. Antes de grabar el tercer álbum de Roxy Music, Ferry publicó un álbum en solitario, These Foolish Things, compuesto por versiones pop/rock.

Publicado en diciembre de 1973, Stranded se convirtió en el primer álbum número uno de la banda en el Reino Unido. Stranded se grabó con el nuevo miembro de Roxy Eddie Jobson, un multiinstrumentista que anteriormente había tocado con Curved Air; también fue el primer disco en el que Manzanera y Mackay aparecían como autores. El álbum tuvo una acogida más cálida en Estados Unidos que sus dos predecesores, preparando el terreno para la irrupción de Country Life a finales de 1974. Con una controvertida portada de dos modelos vestidas con lencería transparente -la portada fue prohibida en varias tiendas, y finalmente se sustituyó por una foto de un bosque en EE.UU.-, Country Life fue el primer álbum de Roxy en entrar en el Top 40 de EE.UU. y se convirtió en su cuarto álbum británico en el Top Ten. Tras una gira con el bajista John Wetton, el grupo grabó Siren. Con su primer éxito en el Top 40 americano, la canción con sabor a música disco "Love Is the Drug", Siren fue otro éxito en el Top Ten británico; en EE.UU., fue un éxito moderado, alcanzando el número 50. Tras la gira de Siren, los miembros de la banda empezaron a trabajar en proyectos en solitario - Manzanera formó el grupo de prog rock 801, y Mackay y Ferry empezaron a grabar discos en solitario - y anunciaron en el verano de 1976 que se separaban temporalmente. El álbum en directo Viva Roxy Music! se publicó poco después del anuncio del parón del grupo.

Roxy Music se reagrupó en otoño de 1978 tras pasar 18 meses en proyectos en solitario. Ferry, Manzanera, Mackay y Thompson añadieron al antiguo teclista de Ace Paul Carrack a la formación de la banda y contrataron a Gary Tibbs, antiguo miembro de los Vibrators, y al ex-Kokomo Alan Spenner como bajistas de estudio; Jobson y Wetton, a los que no se pidió que se reincorporaran a la banda, formaron UK. El regreso de Roxy Music, Manifesto, vio la luz en la primavera de 1979, con un sonido soul-pop elegante e influenciado por la música disco, muy diferente y más accesible que sus discos anteriores. Manifesto confirmó su popularidad británica, alcanzando el Top Ten, y se convirtió en su disco más vendido en Estados Unidos, llegando al número 23 gracias al single "Dance Away". Roxy Music apoyó el álbum con una gira internacional en la que participaron Carrack y Tibbs; antes del inicio de la gira, Thompson abandonó el grupo tras romperse el pulgar en un accidente de moto. Flesh + Blood, la continuación de Manifesto, fue grabado por Ferry, Manzanera, Mackay y un grupo de músicos de estudio. Publicado en el verano de 1980, Flesh + Blood se convirtió en el segundo álbum británico número uno de Roxy gracias al sencillo "Over You", que alcanzó el Top Ten; en Estados Unidos, el álbum llegó al Top 40 americano. En la primavera de 1981, la versión de "Jealous Guy" de John Lennon, grabada como homenaje al cantante asesinado, se convirtió en el único sencillo británico número uno del grupo.

Casi dos años después, Roxy Music regresó en el verano de 1982 con Avalon. Marcando un nuevo nivel en la producción y sofisticación musical del grupo, Avalon se convirtió en su álbum más importante, permaneciendo tres semanas en el primer puesto de las listas británicas y 27 en las estadounidenses, generando los éxitos británicos "More Than This" y "Take a Chance with Me". Se convirtió en el único álbum de oro del grupo en Estados Unidos y, con el paso de los años, alcanzó la categoría de platino. Tras una exitosa gira de apoyo a Avalon, el grupo publicó el EP en directo Musique/The High Road en la primavera de 1983. La gira de Avalon resultó ser la última actividad de Roxy Music como grupo. Ferry empezó a concentrarse en su carrera en solitario, que comenzó con Boys and Girls, de 1985. Manzanera y Mackay formaron una banda llamada The Explorers en 1985; la pareja grabaría bajo distintas apariencias, además de seguir carreras en solitario, durante los siguientes 15 años. En 1989 se publicó el recopilatorio Street Life: 20 Great Hits, que también incluía los éxitos en solitario de Ferry. Un año después se publicó Heart Still Beating, un álbum en directo que documentaba un concierto de 1982. Otros álbumes de archivo ayudaron a mantener viva la llama del brillo, como The Thrill of It All, de 1995, y Thrill of It All, de 2006: A Visual History 1972-1982, de 1995, y Thrill of It All: A Visual History 1972-1982, de 2006, que incluían temas y singles clave, así como caras B, promos y actuaciones televisivas.


En 2001, Ferry, Manzanera, Mackay y Thompson se reunieron para una serie de conciertos con motivo del 30 aniversario de la banda. Manzanera y Thompson también colaboraron en el álbum en solitario de Ferry de 2002, Frantic, al igual que Eno, que tocó en el tema "I Thought". El grupo volvió a reunirse (menos Eno) para el Festival de la Isla de Wight de 2005. Sin embargo, ese mismo año, la banda entró en el estudio con Eno y empezó a trabajar en canciones. Aunque sería la primera vez que grababan juntos desde 1973, los temas acabarían formando parte del álbum en solitario de Ferry de 2010, Olympia.

Mientras tanto, Ferry y la versión no-Eno de Roxy Music siguieron actuando en directo, encabezando varios festivales por todo el mundo. En 2012 se publicó una caja con toda su carrera, Roxy Music: The Complete Studio Recordings 1972-1982, llegó en 2012. En marzo de 2019, Roxy Music fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll con Ferry, Manzanera, Mackay y Jobson interpretando un set de seis canciones en la ceremonia de inducción. En 2022, Roxy Music se volvió a formar (sin Eno) para una gira que marcaba el 50 aniversario de su álbum debut.
https://www.allmusic.com/artist/roxy-music-mn0000852855/biography

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Bryan Ferry • Slave To Love - The Best Of The Ballads

Review by Steve Huey

When Slave to Love: The Best of the Ballads was released in 2000, there hadn't been a true Roxy Music compilation in print for years. Street Life and More Than This were both grab bags of Roxy Music singles and material from Bryan Ferry's solo career. While it's logical to assume that fans of one artist would certainly be interested in the other, the approach never made for a unified compilation -- Roxy Music's sound shifted quite a bit over the years, and their earlier, edgier singles never sat well next to the smooth balladeering of Ferry's companion career. However, Slave to Love is the first Ferry/Roxy grab bag to make internal sense, because it's thematically limited to the Roxy material that most resembles Ferry's crooning solo style. By the time of 1982's Avalon, the gap between the two had narrowed so much as to be virtually indistinguishable, and this compilation captures the elegantly romantic sound that came to be inextricably linked to Ferry. Slave to Love shouldn't be taken as comprehensive, even in this narrower vein (there are several excellent late-period Roxy Music singles missing), but as an encapsulation of one specific part of their appeal, it makes for a strong listen.

https://www.allmusic.com/album/slave-to-love-the-best-of-the-ballads-mw0000099350

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Reseña de Steve Huey

Cuando Esclavo del Amor: The Best of the Ballads fue lanzado en el año 2000, no había habido una verdadera compilación de Roxy Music impresa durante años. Street Life y More Than This eran bolsas de discos de Roxy Music y material de la carrera en solitario de Bryan Ferry. Mientras que es lógico asumir que los fans de un artista estarían interesados en el otro, el enfoque nunca hizo una compilación unificada - el sonido de Roxy Music cambió bastante con el paso de los años, y sus anteriores singles nunca se sentaron bien al lado de la suave balada de la carrera de compañero de Ferry. Sin embargo, Slave to Love es la primera bolsa de sorpresas de Ferry/Roxy que tiene sentido interno, ya que se limita temáticamente al material de Roxy que más se asemeja al estilo solista de Ferry. Para la época del Avalon de 1982, la brecha entre los dos se había reducido hasta el punto de ser virtualmente indistinguible, y esta compilación captura el sonido elegantemente romántico que llegó a estar inextricablemente ligado a Ferry. Slave to Love no debe ser tomado como comprensivo, incluso en esta vena más estrecha (hay varios excelentes singles de última hora de Roxy Music que faltan), pero como una encapsulación de una parte específica de su atractivo, hace que la escucha sea más fuerte.

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bryanferry.com ...

 

Glam Bowie, Bolan and the Glitter Rock Revolution

 

David Bowie, Marc Bolan, Bryan Ferry and Iggy Pop were the icons that defined the music known as Glam or Glitter Rock. With outrageous getups and cosmetic artistry, they were the gender-bending performers of a movement that was centered in London but electrified the whole world. In the first book of its kind, Barney Hoskyns takes a no-holds-barred tour of a chapter in pop history that influenced countless musicians in the decades that followed. Here is the flamboyant decadence, the androgyny and the sheer unadulterated fun of the early '70s - in an incredible story that tells it like it was.

 

Bryan Ferry • The Best Of

 

 

Biography by Jason Ankeny
While fronting Roxy Music in the 1970s and early '80s, Bryan Ferry devised a blueprint for art rock, and as a solo performer, he brilliantly updated the parameters of the pop songbook. Although Ferry's solo career has included several excellent self-penned tracks, he's best-known for his adventurous interpretations of songs from the rock and pop canon. Combining a studied, wry, lounge-singer persona with a genuine passion for everything from Motown and Bob Dylan to the Great American Songbook of the 1920s and '30s, Ferry's performances add a post-modern gloss to pop standards. Following rumors of a reunion, Roxy Music re-formed in 2001 and did several tours during the ensuing decade.

Born September 26, 1945 in Washington, England, Ferry, the son of a coal miner, began his musical career as a singer with the rock outfit the Banshees while studying art at the University of Newcastle Upon Tyne under pop conceptualist Richard Hamilton. He later joined the Gas Board, a soul group featuring bassist Graham Simpson; in 1970, Ferry and Simpson formed Roxy Music.

Within a few years, Roxy Music had become phenomenally successful, affording Ferry the opportunity to cut his first solo LP in 1973. Far removed from the group's arty glam rock, These Foolish Things established the path that all of Ferry's solo work -- as well as the final Roxy Music records -- would take, focusing on elegant synth pop interpretations of '60s hits like Bob Dylan's "A Hard Rain's A-Gonna Fall," the Rolling Stones' "Sympathy for the Devil," and the Beatles' "You Won't See Me," all rendered in the singer's distinct, coolly dramatic manner.

Roxy Music remained Ferry's primary focus, but in 1974 he returned with a second solo effort, Another Time, Another Place, another collection of covers ranging from "You Are My Sunshine" to "It Ain't Me, Babe" to "Smoke Gets in Your Eyes." His third venture, 1976's Let's Stick Together, featured remixed, remade, and remodeled versions of Roxy Music hits as well as the usual assortment of covers. Released in 1977, In Your Mind was Ferry's first collection of completely original material; the following year's The Bride Stripped Bare, a work inspired by his broken romance with model Jerry Hall, was split evenly between new songs and covers.

Ferry did not record another solo album until 1985's Boys and Girls, a sleek, seamless effort that was his first "official" solo release following the Roxy breakup. For 1987's Bete Noire, he was joined by former Smiths guitarist Johnny Marr on the shimmering "The Right Stuff," and notched his only U.S. Top 40 hit with "Kiss and Tell." Another covers collection, Taxi, followed in 1993; Mamouna, an LP of originals, appeared a year later, and in 1999 Ferry returned with a collection of standards, As Time Goes By. After a brief tour in support of As Time Goes By, there were rumors of a Roxy Music reunion. The next summer, the practically unimaginable came true when Ferry joined Andy Mackay and Phil Manzanera for a tour of Europe and the U.S. It was a celebration of hits, and the band's first jaunt out in more than a decade.

In summer 2002, Ferry returned to his solo career for the electrifying Frantic. Dylanesque, a set of Bob Dylan covers, followed in 2007, featuring assistance from several longtime associates (including Brian Eno, Chris Spedding, Paul Carrack, and Robin Trower). Ferry signed with the Astralwerks imprint for the release of 2010's Olympia. In 2012, he assembled the Bryan Ferry Orchestra and recorded The Jazz Age. This completely instrumental album featured his band re-recording some of his biggest hits in a 1920s jazz style.

Ferry returned to the studio with longtime collaborator Rhett Davies in 2014 to record his 14th studio album. The resulting Avonmore -- which included guest spots from Johnny Marr, Nile Rodgers, and Marcus Miller and revived Ferry's mid-'80s sound -- appeared in November. In the spring of 2017, after embarking on a major world tour, Ferry made his debut at the legendary Hollywood Bowl amphitheater, performing nearly the entire set backed by a full orchestra. That same year, he also appeared as a cabaret singer in the 1930s set drama Babylon Berlin, for which he also contributed several songs. Those tracks were then included on a full-length album recorded by Ferry and his jazz orchestra, 2018's Bitter-Sweet. Ferry continued to tour into the last years of the 2010s, a period highlighted by Roxy Music's induction into the Rock & Roll Hall of Fame in 2019. The archival set Live at the Royal Albert Hall, 1974 appeared early in 2020.
https://www.allmusic.com/artist/bryan-ferry-mn0000524050#biography

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Biografía de Jason Ankeny
Al frente de Roxy Music en los años setenta y principios de los ochenta, Bryan Ferry ideó un modelo de art rock y, en solitario, actualizó brillantemente los parámetros del cancionero pop. Aunque la carrera en solitario de Ferry incluye varios excelentes temas de su propia autoría, es más conocido por sus aventuradas interpretaciones de canciones del canon del rock y el pop. Combinando una estudiada e irónica personalidad de cantante de salón con una auténtica pasión por todo lo que va desde Motown y Bob Dylan hasta el Gran Cancionero Americano de los años 20 y 30, las interpretaciones de Ferry añaden un brillo posmoderno a los estándares del pop. Tras los rumores de reunión, Roxy Music volvió a formarse en 2001 y realizó varias giras durante la década siguiente.

Nacido el 26 de septiembre de 1945 en Washington (Inglaterra), Ferry, hijo de un minero del carbón, comenzó su carrera musical como cantante del grupo de rock The Banshees mientras estudiaba arte en la Universidad de Newcastle Upon Tyne con el conceptualista pop Richard Hamilton. Más tarde se unió a Gas Board, un grupo de soul con el bajista Graham Simpson; en 1970, Ferry y Simpson formaron Roxy Music.

En pocos años, Roxy Music alcanzó un éxito fenomenal, lo que permitió a Ferry grabar su primer LP en solitario en 1973. Lejos del glam rock arty del grupo, These Foolish Things marcó el camino que seguiría todo el trabajo en solitario de Ferry -así como los últimos discos de Roxy Music-, centrándose en elegantes interpretaciones synth pop de éxitos de los 60 como "A Hard Rain's A-Gonna Fall" de Bob Dylan, "Sympathy for the Devil" de los Rolling Stones y "You Won't See Me" de los Beatles, todo ello interpretado con el distintivo y frío dramatismo del cantante.

Roxy Music siguió siendo el objetivo principal de Ferry, pero en 1974 volvió con un segundo trabajo en solitario, Another Time, Another Place, otra colección de versiones que iban desde "You Are My Sunshine" a "It Ain't Me, Babe" y "Smoke Gets in Your Eyes". Su tercera aventura, Let's Stick Together (1976), incluía versiones remezcladas, rehechas y remodeladas de éxitos de Roxy Music, así como el surtido habitual de versiones. Publicado en 1977, In Your Mind fue la primera colección de material completamente original de Ferry; al año siguiente, The Bride Stripped Bare, un trabajo inspirado en su romance roto con la modelo Jerry Hall, estaba dividido a partes iguales entre canciones nuevas y versiones.

Ferry no volvió a grabar otro álbum en solitario hasta Boys and Girls, de 1985, un trabajo elegante y sin fisuras que supuso su primer lanzamiento "oficial" en solitario tras la ruptura de Roxy. Para Bete Noire, de 1987, se unió al ex guitarrista de los Smiths Johnny Marr en la brillante "The Right Stuff", y consiguió su único éxito en el Top 40 de EE.UU. con "Kiss and Tell". En 1993 publicó otra colección de versiones, Taxi; un año más tarde apareció Mamouna, un LP de originales, y en 1999 Ferry volvió con una colección de estándares, As Time Goes By. Tras una breve gira en apoyo de As Time Goes By, hubo rumores de una reunión de Roxy Music. El verano siguiente, lo prácticamente inimaginable se hizo realidad cuando Ferry se unió a Andy Mackay y Phil Manzanera para una gira por Europa y EE.UU. Fue una celebración de éxitos y la primera salida de la banda en más de una década.

En el verano de 2002, Ferry retomó su carrera en solitario con el electrizante Frantic. Dylanesque, un conjunto de versiones de Bob Dylan, le siguió en 2007, con la colaboración de varios socios de larga data (entre ellos Brian Eno, Chris Spedding, Paul Carrack y Robin Trower). Ferry firmó con el sello Astralwerks para publicar Olympia en 2010. En 2012, reunió a la Bryan Ferry Orchestra y grabó The Jazz Age. Este álbum completamente instrumental presentaba a su banda regrabando algunos de sus mayores éxitos en un estilo de jazz de los años veinte.

En 2014, Ferry volvió al estudio con Rhett Davies, su colaborador de siempre, para grabar su decimocuarto álbum de estudio. El álbum resultante, Avonmore -que incluía colaboraciones de Johnny Marr, Nile Rodgers y Marcus Miller y revivía el sonido de Ferry de mediados de los 80- apareció en noviembre. En la primavera de 2017, después de embarcarse en una gran gira mundial, Ferry debutó en el legendario anfiteatro Hollywood Bowl, interpretando casi todo el set respaldado por una orquesta completa. Ese mismo año, también apareció como cantante de cabaret en el drama ambientado en los años 30 Babylon Berlin, para el que también contribuyó con varias canciones. Esos temas se incluyeron después en un álbum de larga duración grabado por Ferry y su orquesta de jazz, Bitter-Sweet, de 2018. Ferry continuó de gira en los últimos años de la década de 2010, un período destacado por la inducción de Roxy Music en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2019. El set de archivo Live at the Royal Albert Hall, 1974 apareció a principios de 2020.
https://www.allmusic.com/artist/bryan-ferry-mn0000524050#biography

 

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The Bryan Ferry Orchestra • The Great Gatsby Jazz Recordings

 

Review by Matt Collar
Compiled for director Baz Luhrmann's 2013 film adaptation of F. Scott Fitzgerald's classic novel, The Great Gatsby: The Jazz Recordings features a mix '20s-style jazz, with performances both old and new. Primarily, these are recordings done by the Bryan Ferry Orchestra, who take modern songs such as Lana Del Rey's "Young and Beautiful," and rework them in a vintage instrumental jazz style. Also included are several of the group's arrangements of classic Ferry songs such as Roxy Music's "Love Is the Drug," which does feature Ferry on vocals. Also included here are a handful of cuts by such classic artists as Louis Armstrong and Jelly Roll Morton. If you enjoyed the music in Luhrmann's film but wished you could hear it minus the contemporary hip-hop production, then The Great Gatsby: The Jazz Recordings is just what you're looking for.
https://www.allmusic.com/album/the-great-gatsby-the-jazz-recordings-mw0002559716

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Reseña de Matt Collar
Compilado para la adaptación cinematográfica de 2013 del director Baz Luhrmann de la novela clásica de F. Scott Fitzgerald, The Great Gatsby: The Jazz Recordings presenta una mezcla de jazz al estilo de los años 20, con interpretaciones tanto antiguas como nuevas. Principalmente, se trata de grabaciones realizadas por la Bryan Ferry Orchestra, que toma canciones modernas como "Young and Beautiful", de Lana Del Rey, y las reelabora en un estilo de jazz instrumental de época. También se incluyen varios arreglos del grupo de canciones clásicas de Ferry, como "Love Is the Drug" de Roxy Music, que cuenta con Ferry en la voz. También se incluyen aquí un puñado de cortes de artistas clásicos como Louis Armstrong y Jelly Roll Morton. Si disfrutó con la música de la película de Luhrmann pero le gustaría escucharla sin la producción hip-hop contemporánea, The Great Gatsby: The Jazz Recordings es justo lo que está buscando.
https://www.allmusic.com/album/the-great-gatsby-the-jazz-recordings-mw0002559716